Director de cine mudo recuerda W.C. Los campos

Director de cine mudo recuerda W.C. Los campos

Mack Sennett, creador de Keystone Kops, comparte sus recuerdos de cómo fue conocer y trabajar con el incomparable comediante W.C. Los campos.


Los silencios eran dorados en Long Island

Los clásicos de Hollywood, especialmente aquellos antes de la llegada del sonido, están recibiendo atención en estos días, gracias a "The Artist", una nueva función silenciosa ahora en los cines de Long Island, y que está generando un gran revuelo en los Oscar.

Sin embargo, lo que muchos tal vez no sepan es que una buena parte de esos primeros clásicos no se hicieron en Hollywood, sino en Long Island.

Eso es correcto. Antes de que Hollywood reinara supremo, L.I. produjo películas mudas y talkies tempranos. Iconos como Rudolph Valentino, W.C. Fields y Gloria Swanson se rodaron en locaciones en Nassau y Suffolk y en estudios en Brooklyn y Queens.

Estamos hablando de la época, cuando la industria cinematográfica era tan nueva como YouTube o iPods.

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"Los cineastas fueron a Nueva Jersey, al norte del estado, a todas partes", dice Dylan Skolnick, codirector del Cinema Arts Center en Huntington, que presenta una serie mensual de películas mudas. "Pero Long Island era versátil. Había mansiones, granjas, bosques, playas ... como ahora, pero con menos tráfico".

Aquí se rodaron cientos de películas, que se remontan a la década de 1890. Los cortometrajes de American Mutoscope Co.incluyen una secuencia de 1897 con buzos en Bath Beach en Brooklyn, y una cobertura de los perros y caballos del Meadowbrook Hunt Club de Hempstead en 1899.

"Los lugares de Long Island eran grandes favoritos, y los equipos se veían con frecuencia en lugares como Sag Harbor, Huntington, Manhasset, Farmingdale y Great Neck", señala el historiador de cine de la Universidad de Rutgers, Richard Koszarski, en su completo libro "Hollywood on the Hudson".

El estudio Vitagraph se instaló en Flatbush en 1905, abriendo una instalación satélite en Bay Shore unos 10 años más tarde, seguido por el Famous Players-Lasky Studio, construido en Astoria en 1920. (Unos años más tarde, se convertiría en el hogar de Paramount Pictures, que produjo más de 120 películas en los años 20 y 30).

Las estrellas vivían cerca, en Bayside (Gloria Swanson, W.C. Fields), Great Neck (Groucho Marx) y Manhasset (Vernon e Irene Castle).

The Castles protagonizó y bailó "El torbellino de la vida", una comedia de 1915 filmada en parte en Long Beach. D.W. Griffith se aventuró a Lynbrook en 1911 para "The Stuff Heroes Are Made Of". Y "En busca de Polly", una película de espías de 1918 filmada en Oyster Bay, protagonizada por Billie Burke, la bruja buena antes de Glinda.

"Siempre me había interesado el cine, pero nunca pensé en el ángulo local", dice Joshua Ruff, curador de las colecciones de carruajes e historia del Museo de Long Island en Stony Brook. Ruff organizó una exhibición en 2005 que cubría más de un siglo de producción cinematográfica local, pero los primeros días fueron los más sorprendentes, dice.

Seleccionar puntos de referencia locales

Alquile una película muda y nunca sabrá lo que verá.

El "molino de viento holandés" del drama de Mary Pickford de 1916 "Hulda from Holland" es de Bridgehampton. Las pampas argentinas en el abrasador "A Sainted Devil" de Valentino de 1924 son tramos de Farmingdale. Y el escenario de "Nueva Inglaterra" para D.W. La comedia de Griffith de 1925, "Sally of the Sawdust", protagonizada por W.C. ¿Los campos? Bayside y Great Neck, notas Ruff. "En una escena estás viendo claramente Northern Boulevard".

Un año después, Fields filmó "So's Your Old Man", embistiendo un Ford Modelo A contra un árbol (en Huntington) y realizando su famosa rutina de golf (en el Deepdale Country Club original en Lake Success, antes de que se trasladara a Manhasset para dejar paso por la MENTIRA).

Quizás la más misteriosa de las películas de L.I. es "El gran Gatsby" de 1926, la primera de tres versiones cinematográficas, pero la única filmada en la costa norte. Por desgracia, solo queda el tráiler, que muestra a los juerguistas salvajes saltando a una piscina y al narrador Nick Carraway encontrando muerto a George, el mecánico (un joven William Powell) en medio de una extensión ondulada de pinos.

"The Cocoanuts" (1929) y "Animal Crackers" (1930) de los hermanos Marx fueron dos de las películas más exitosas filmadas en el estudio de Astoria, pero para entonces ya era demasiado tarde.

Los ejecutivos de cine ya se habían dado cuenta de lo obvio: el clima de Hollywood es genial. Podrían disparar durante todo el año. Y a fines de la década de 1920, habían consolidado la industria en el oeste.

Los estudios escupieron algunas últimas películas. "The Emperor Jones", ambientada en el sur y el Caribe, tuvo que rodar aquí en 1933 debido a una cláusula en el contrato de Paul Robeson que estipulaba que no trabajaría por debajo de la línea Mason-Dixon. ¿Cuándo se lava en esa isla caribeña? Es Jones Beach.

Todavía en 1939, un talkie en idioma yiddish, "Tevye", recibió un disparo en una granja de papas al este de Jericó. Hoy, esa cerca de riel dividido y el camino de tierra que se pierde en la distancia es aproximadamente la salida 43 de la LIE.

"Existe una gran cantidad de información errónea", admite Ruff. "El hecho es que probablemente nunca sabremos el alcance total de la presencia de la industria cinematográfica en la isla".

Aún así, uno se pregunta, con el éxito de "The Artist", ¿podrían regresar las películas mudas? "Creo que la gente está preparada", dice su director, Michel Hazanavicius. "Están viendo películas en computadoras, teléfonos, cines, aviones, entonces, ¿por qué no esto? Uh ... uh, ¿cómo lo dices?" tropieza, buscando las palabras en inglés. "Lo que es viejo ... se vuelve nuevo".


La carrera de Fields en el mundo del espectáculo comenzó en el vodevil, donde alcanzó el éxito internacional como malabarista silencioso. Comenzó a incorporar la comedia en su acto y fue un comediante destacado en Ziegfeld Follies durante varios años. Se convirtió en una estrella de la comedia musical de Broadway. Amapola (1923), en la que interpretó a un colorido estafador de poca monta. Sus papeles subsiguientes en el teatro y el cine fueron a menudo sinvergüenzas similares o personajes de todos los públicos.

Entre sus marcas registradas estaban su acento ronco y su vocabulario grandilocuente. Su personaje de cine y radio se identificaba generalmente con el propio Fields. Fue mantenido por los departamentos de publicidad en los estudios de Fields (Paramount y Universal) y fue establecido por la biografía de Robert Lewis Taylor, W. C. Fields, sus locuras y fortunas (1949). A partir de 1973, con la publicación de las cartas, fotos y notas personales de Fields en el libro del nieto Ronald Fields. W. C. Fields por sí mismo, se demostró que Fields se casó primero (y luego se separó de su esposa), mantuvo económicamente a su hijo y amaba a sus nietos.

Fields nació William Claude Dukenfield en Darby, Pensilvania, el hijo mayor de una familia de clase trabajadora. Su padre, James Lydon Dukenfield (1841-1913), era de una familia inglesa que emigró de Sheffield, Yorkshire, Inglaterra, en 1854. [3] [4] James Dukenfield sirvió en la Compañía M del 72º Regimiento de Infantería de Pensilvania en el Guerra civil y resultó herido en 1863. [5] La madre de Fields, Kate Spangler Felton (1854-1925), era protestante de ascendencia británica. [6] [7] El 1876 Directorio de la ciudad de Filadelfia enumera a James Dukenfield como empleado. Después de casarse, trabajó como comerciante independiente de productos agrícolas y hotelero a tiempo parcial. [7] [8]

Claude Dukenfield (como se le conocía) tenía una relación volátil con su padre de mal genio. Se escapó de casa repetidamente, comenzando a los nueve años, a menudo para quedarse con su abuela o un tío. [9] Su educación fue esporádica y no progresó más allá de la escuela primaria. [10] A los doce años, trabajó con su padre vendiendo productos desde una carreta, hasta que los dos tuvieron una pelea que resultó en que Fields volviera a huir. [11] En 1893, trabajó brevemente en los grandes almacenes Strawbridge and Clothier, [12] y en una casa de ostras. [13]

Fields luego embelleció historias de su infancia, representándose a sí mismo como un fugitivo que vivió de su ingenio en las calles de Filadelfia desde una edad temprana, pero se cree que su vida hogareña fue razonablemente feliz. [14] Ya había descubierto en sí mismo una facilidad para hacer malabares, y una actuación que presenció en un teatro local lo inspiró a dedicar mucho tiempo a perfeccionar sus malabares. [13] A los 17 años, vivía con su familia y realizaba un acto de malabarismo en la iglesia y en espectáculos de teatro. [15]

En 1904, el padre de Fields lo visitó durante dos meses en Inglaterra mientras actuaba allí en los salones de música. [16] Fields permitió que su padre se jubilara, le compró una casa de verano y alentó a sus padres y hermanos a aprender a leer y escribir, para poder comunicarse con él por carta. [17]

Inspirado por el éxito del "Malabarista vagabundo original", James Edward Harrigan, [18] Fields adoptó un traje similar de barba desaliñada y esmoquin raído y entró en el vodevil como un "malabarista vagabundo" gentil en 1898, usando el nombre de W. C. Fields. [19] Su familia apoyó sus ambiciones por el escenario y lo despidió en el tren para su primera gira escénica. Para ocultar un tartamudeo, Fields no habló en el escenario. [20] En 1900, buscando distinguirse de los muchos actos de "vagabundos" en el vodevil, cambió su vestimenta y maquillaje, y comenzó a hacer giras como "El malabarista excéntrico". [21] Manipuló cajas de puros, sombreros y otros objetos en su acto, partes de los cuales se reproducen en algunas de sus películas, especialmente en la comedia de 1934. La forma antigua.

A principios de la década de 1900, mientras estaba de gira, lo llamaban regularmente el mejor malabarista del mundo. [22] Se convirtió en un cabeza de cartel en América del Norte y Europa, y realizó una gira por Australia y Sudáfrica en 1903. [23] Cuando Fields tocó para audiencias de habla inglesa, descubrió que podía obtener más risas agregando murmullos y comentarios sarcásticos a su rutinas. Según W. Buchanan-Taylor, un intérprete que vio la actuación de Fields en un music hall inglés, Fields "regañaba a una pelota en particular que no había llegado a su mano con precisión", y "murmuraba improperios extraños e ininteligibles con su cigarro cuando extrañaba su boca ". [24]

En 1905, Fields hizo su debut en Broadway en una comedia musical, El árbol del jamón. Su papel en el programa le requería ofrecer líneas de diálogo, lo que nunca antes había hecho en el escenario. [25] Más tarde dijo: "Quería convertirme en un verdadero comediante, y ahí estaba, multado y encasillado como simplemente un malabarista de comedia". [26] En 1913 actuó en un proyecto de ley con Sarah Bernhardt (quien consideraba a Fields como "un artista [que] no podía dejar de complacer a la mejor clase de público") primero en el Palacio de Nueva York y luego en Inglaterra en un Royal actuación de George V y Queen Mary. [27] Continuó haciendo giras en vodevil hasta 1915. [28]

A partir de 1915, apareció en Broadway en Florenz Ziegfeld's Locuras de Ziegfeld Revue, [29] deleitando al público con una parodia de billar salvaje, completa con señales de formas extrañas y una mesa hecha a medida utilizada para una serie de bromas divertidas y trucos sorprendentes. Su juego de billar se reproduce, en parte, en algunas de sus películas, especialmente en Seis de una clase en 1934. El acto fue un éxito, y Fields protagonizó la Locuras de 1916 a 1922, no como malabarista sino como comediante en bocetos conjuntos. Además de muchas ediciones del Locuras, Fields protagonizó la comedia musical de Broadway de 1923 Amapola, en el que perfeccionó su personalidad como un colorido estafador de poca monta. En 1928, apareció en Las vanidades de Earl Carroll.

Su traje de escenario a partir de 1915 incluía un sombrero de copa, un abrigo y cuello recortados y un bastón. El disfraz tenía una notable similitud con el del personaje de la tira cómica Ally Sloper, quien pudo haber sido la inspiración para el disfraz de Fields, según Roger Sabin. El personaje de Sloper puede, a su vez, haberse inspirado en el señor Micawber de Dickens, a quien Fields interpretó más tarde en la película. [30]

Era silenciosa y primeras películas habladas Editar

En 1915, Fields protagonizó dos comedias cortas, Tiburones de piscina y El dilema de su señoría, filmada en el estudio estadounidense de la French Gaumont Company en Flushing, Nueva York. [31] Sus compromisos en el teatro le impidieron hacer más trabajos cinematográficos hasta 1924, cuando interpretó un papel secundario en Janice Meredith, un romance de la Guerra Revolucionaria protagonizado por Marion Davies. [32] Repitió su Amapola papel en una adaptación al cine mudo, retitulado Sally del serrín (1925) y dirigida por D. W. Griffith para Paramount Pictures. Sobre la base de su trabajo en esa película y la producción posterior de Griffith Esa chica royle, Paramount le ofreció a Fields un contrato para protagonizar su propia serie de comedias de largometraje. Su siguiente papel protagónico fue en Es el juego del viejo ejército (1926), que contó con su amiga Louise Brooks, más tarde una leyenda de la pantalla por su papel en G. W. Pabst Caja de Pandora (1929) en Alemania. [33] Película de Fields de 1926, que incluía una versión muda de la secuencia del porche que luego se expandiría en la película sonora. Es un regalo (1934), tuvo un éxito mediocre en la taquilla. [34] Sin embargo, las siguientes tres películas que Fields hizo en Astoria, a saberTu viejo también (1926, rehecho como ¡Tú me estás diciendo! en 1934), Los Potters (1927) y Corriendo salvajemente (1927) fueron éxitos en una escala creciente y ganaron a Fields un creciente número de seguidores como comediante silencioso. Corriendo salvajemente fue el más exitoso de estos, con un costo final de $ 179,000 y aportando alquileres nacionales de $ 328,000 y otros $ 92,000 del extranjero. [35] La rivalidad entre los ejecutivos del estudio de Paramount B. P. Schulberg en la costa oeste y William Le Baron en la costa este llevó al cierre del estudio de Nueva York y la centralización de la producción de Paramount en Hollywood. Corriendo salvajemente fue la última película muda que hizo la Paramount en Astoria. Cuando la filmación se completó el 28 de abril, el puñado de personal restante que quedaba en el lote fue despedido con dos semanas de indemnización y el estudio quedó inactivo. [36] Fields fue inmediatamente a Hollywood, donde Schulberg lo unió a Chester Conklin para dos películas y lo prestó a él y a Conklin para una nueva versión de Al Christie producida por El romance perforado de Tillie para el lanzamiento de Paramount. Todos estos fueron fracasos comerciales y ahora se han perdido. [37]

Fields lucía un desaliñado bigote con clip en todas sus películas mudas. Según el historiador de cine William K. Everson, él insistió perversamente en llevar un bigote visiblemente falso porque sabía que no le gustaba al público. [38] Fields lo usó en su primera película sonora, El especialista en golf (1930) - un dos carretes que reproduce fielmente un boceto que había introducido en 1918 en el Locuras [39] —pero dejó de usar bigote después de su primer largometraje sonoro, Su Majestad, Amor (1931), su única producción de Warner Bros. y la única vez que usó un bigote más realista para un papel. [40]

En Paramount Edit

En la era del sonido, Fields apareció en trece largometrajes para Paramount Pictures, comenzando con Piernas de un millón de dólares en 1932. En ese año también apareció en una secuencia de la película antológica Si tuviera un millon. En 1932 y 1933, Fields realizó cuatro temas cortos para el pionero de la comedia Mack Sennett, distribuidos a través de Paramount Pictures. Estos cortos, adaptados con pocas alteraciones de las rutinas escénicas de Fields y escritos íntegramente por él mismo, fueron descritos por Simon Louvish como "la 'esencia' de Fields". [41] El primero de ellos, El dentista, es inusual en el sentido de que Fields retrata un personaje completamente antipático: hace trampa en el golf, ataca a su caddie y trata a sus pacientes con una crueldad desenfrenada. William K. Everson dice que la crueldad de esta comedia la hizo "apenas menos divertida", pero que "Fields debe haber sabido que El dentista presentó un defecto grave para una imagen de comedia que estaba destinada a perdurar ", y mostró una personalidad algo más cálida en sus cortos posteriores de Sennett. [42] Sin embargo, el éxito popular de su próximo lanzamiento, Casa internacional en 1933, lo consagró como una estrella importante. [43] Más tarde se reveló que una toma inestable de la producción, supuestamente el único registro cinematográfico del terremoto de Long Beach de ese año, había sido falsificada como un truco publicitario para la película. [44]

Clásico de Fields de 1934 Es un regalo incluye otro de sus primeros bocetos de la etapa, uno en el que se esfuerza por escapar de su molesta familia durmiendo en el porche trasero, donde es acosado por vecinos ruidosos y vendedores. Esa película, como ¡Tú me estás diciendo! y Hombre en el trapecio volador, terminó felizmente con una ganancia inesperada que restauró su posición en sus familias de pantalla. Con esos éxitos en la pantalla, Fields en 1935 pudo lograr una ambición profesional al interpretar al personaje de Mr.Micawber en MGM. David Copperfield. [45]

La tensión de toda esta actividad cobró un terrible costo físico en la salud de Fields. A fines de junio de 1935, enfermó de influenza y problemas de espalda que requirieron atención las 24 horas del día, y luego quedó emocionalmente destrozado por la muerte repentina de dos de sus amigos más cercanos, Will Rogers el 15 de agosto y Sam Hardy el 16 de octubre. La combinación de estos eventos provocaron un colapso total para Fields que lo dejó encerrado durante nueve meses. [46] Se le acercó con cautela el año siguiente para recrear su papel característico en el escenario Amapola para Paramount Pictures aceptó, pero estuvo muy débil durante toda la producción y a menudo se usaba un doble en tomas largas. [47] Una vez finalizada la filmación, su precaria salud recayó cuando se enteró de que otro amigo cercano y compañero de pantalla, Tammany Young, había muerto mientras dormía el 26 de abril a los 49 años. La pérdida de tres amigos en menos de un año envió a Fields a un profundo depresión, además de que dejó de comer, su dolor de espalda estalló y su problema crónico de congestión pulmonar regresó con fuerza, convirtiéndose finalmente en neumonía. Estaría en hospitales y sanatorios para diversos tratamientos hasta el verano de 1937.

En septiembre de 1937, Fields regresó a Hollywood para "protagonizar" la complicada antología de variedades musicales de Paramount. La gran transmisión de 1938 mientras protagonizaba con Martha Raye, Dorothy Lamour y Bob Hope. En un giro inusual, Fields interpreta el papel de dos hermanos casi idénticos (T. Frothingill Bellows y S. B.Bellow) y colaboró ​​con varios músicos internacionales destacados de la época, entre ellos: Kirsten Flagstad (soprano de ópera noruega), Wilfred Pelletier (director canadiense de la Orquesta de la Ópera Metropolitana de Nueva York), Tito Guizar (vocalista mexicano), Shep Fields (dirigiendo su Rippling Rhythm Jazz Orchestra) y John Serry Sr. (acordeonista orquestal italoamericano) [48] La película recibió elogios de la crítica y ganó un Oscar en 1939 a la mejor música en una canción original - Gracias por la memoria [49] Fields, sin embargo, detestaba trabajar en la película y detestaba particularmente al director, Mitchell Leisen, quien sentía lo mismo por Fields y lo consideraba poco divertido y difícil. ("Era el hijo de puta más obstinado y obstinado con el que traté de trabajar", fue la opinión de Leisen). Las discusiones entre Fields y Leisen fueron tan constantes e intensas durante los cinco meses de rodaje que cuando la producción concluyó en noviembre El 15 de noviembre de 1937, Leisen regresó a su casa y sufrió un infarto. [50]

Campos versus "Nibblers" Editar

En los primeros años de su carrera cinematográfica, Fields se volvió muy protector de sus propiedades intelectuales que formaron sus actos y definieron su personalidad en la pantalla. En el burlesque, el vodevil y en la industria cinematográfica en rápida expansión, muchos de sus compañeros intérpretes y escritores de comedia a menudo copiaban o "tomaban prestados" bocetos o partes de rutinas desarrolladas y presentadas por otros. [51] [52] No es sorprendente que, a medida que la popularidad de Fields entre el público continuara aumentando después de 1915, luego de su trabajo inicial en películas, otros artistas comenzaron a adoptar e integrar partes de sus actos exitosos en sus propias actuaciones. [53] Fields en 1918 comenzó a combatir el robo registrando sus bocetos y otro material de comedia en la Oficina de Derechos de Autor de la Biblioteca del Congreso en Washington, DC [54] [55] Sin embargo, el robo continuó y se hizo tan frecuente en 1919 que se sintió "obligado" a colocar una advertencia prominente ese año en la edición del 13 de junio de Variedad, el periódico comercial más leído en ese momento. [53] Dirigido a "Nibblers", más específicamente a "jugadores indiscretos de burlesque e imágenes", el aviso de Fields ocupa casi media página en Variedad. [53] En él, advierte a sus compañeros intérpretes que todos sus "actos (y negocios en ellos) están protegidos por derechos de autor de los Estados Unidos e internacionales", y enfatiza que él y sus abogados en Nueva York y Chicago "perseguirán enérgicamente a todos los infractores en el futuro". [53] El "W. C. Fields" final se imprimió en letras tan grandes que dominaba las dos páginas del periódico.

Fields continuó personalmente y con asesoría legal para proteger su material de comedia durante las últimas décadas de su carrera, especialmente con respecto a la reutilización de ese material en sus películas. Por ejemplo, registró los derechos de autor de su boceto teatral original "Un episodio en el dentista" tres veces: en enero de 1919 y dos veces más en 1928, en julio y agosto. [56] Más tarde, 13 años después de su primer registro de derechos de autor, ese mismo boceto continuó sirviendo a Fields como marco para desarrollar su ya destacado corto El dentista. [56] También registró los derechos de autor de su boceto de 1928 "Stolen Bonds", que en 1933 fue traducido a escenas para su "comedia negra" de dos carretes. El vaso de cerveza fatal. [56] Otros ejemplos del uso que hace Fields de su material protegido por derechos de autor desde el escenario hasta la película es el artículo de 1918 que se discutió anteriormente. Locuras boceto "Un episodio en los eslabones" y su reciclaje en sus dos cortos de 1930 El especialista en golf y en su rasgo ¡Tú me estás diciendo! en 1934. Esbozo de "The Sleeping Porch" que reaparece como un segmento extendido en Es un regalo también fue propiedad de Fields en 1928. [56] Algunas de sus creaciones con derechos de autor incluyen "Un episodio de tenis sobre césped" (1918), "The Mountain Sweep Steaks" (1919), "The Pullman Sleeper" (1921), "Diez mil personas muertas" (1925) y "El coche enano" (1930). [57] El número total de bocetos creados por Fields a lo largo de los años, tanto con derechos de autor como sin derechos de autor, permanece indeterminado. El número, sin embargo, puede exceder los 100. [58] De ese cuerpo de trabajo, Fields entre 1918 y 1930 solicitó y recibió 20 derechos de autor que cubrían 16 de sus bocetos más importantes, los que el biógrafo de Fields Simon Louvish ha descrito como el "fundamento "sobre la cual el legendario comediante construyó su carrera en el escenario y luego prolongó ese éxito a través de sus películas. [57]

Fields se casó con una compañera de vodevil, la corista Harriet "Hattie" Hughes (1879-1963), el 8 de abril de 1900. [59] Ella se convirtió en parte del acto teatral de Fields, apareciendo como su asistente, a quien culparía entretenidamente cuando se perdiera Un truco. [60] Hattie recibió educación y tutoría de Fields en lectura y escritura durante sus viajes. [61] Bajo su influencia, se convirtió en un lector entusiasta y viajó con un baúl de libros que incluían textos gramaticales, traducciones de Homero y Ovidio, y obras de autores que iban desde Shakespeare hasta Dickens, Twain y P. G. Wodehouse. [62]

La pareja tuvo un hijo, William Claude Fields, Jr. (1904-1971) [63] y aunque Fields era ateo, quien, según James Curtis, "consideraba todas las religiones con la sospecha de un estafador experimentado", cedió al deseo de Hattie de bautizar a su hijo. [64]

En 1907, él y Hattie se habían separado. Ella lo había estado presionando para que dejara de hacer giras y se instalara en un oficio respetable, pero él no estaba dispuesto a renunciar al mundo del espectáculo. [65] Nunca se divorciaron. Hasta su muerte, Fields siguió manteniendo correspondencia con Hattie (principalmente a través de cartas) y le envió voluntariamente un estipendio semanal. [66] Su correspondencia a veces era tensa. Fields acusó a Hattie de poner a su hijo en su contra y de exigirle más dinero del que podía pagar. [67]

Mientras actuaba en la ciudad de Nueva York en el New Amsterdam Theatre en 1916, Fields conoció a Bessie Poole, una intérprete establecida de Ziegfeld Follies cuya belleza e ingenio rápido lo atrajeron, y comenzaron una relación. Con ella tuvo otro hijo, llamado William Rexford Fields Morris (1917-2014). [68] [69] [70] Ni Fields ni Poole querían abandonar las giras para criar al niño, que fue puesto en cuidado de crianza con una pareja sin hijos conocida de Bessie. [71] La relación de Fields con Poole duró hasta 1926. En 1927, él le hizo un pago negociado de $ 20,000 cuando ella firmó una declaración jurada declarando que "W. C. Fields NO es el padre de mi hijo". [72] Poole murió de complicaciones del alcoholismo en octubre de 1928, [73] y Fields contribuyó al apoyo de su hijo hasta que cumplió 19 años. [74]

Fields conoció a Carlotta Monti (1907-1993) en 1933, y los dos comenzaron una relación esporádica que duró hasta su muerte en 1946. [75] Monti tuvo pequeños papeles en dos de las películas de Fields, y en 1971 escribió un libro de memorias, WC. Fields and Me, que se convirtió en una película en Universal Studios en 1976. Fields fue incluido en el censo de 1940 como soltero y viviendo en 2015 DeMille Drive. (Cecil B. DeMille vivía en 2000, la única otra dirección en la calle).

Alcohol, perros y niños Editar

El personaje de la pantalla de Fields a menudo expresaba su afición por el alcohol, un componente prominente de la leyenda de Fields. Fields nunca bebió en su carrera temprana como malabarista porque quería estar sobrio mientras actuaba. Finalmente, la soledad de los viajes constantes lo llevó a mantener licor en su camerino como un incentivo para que sus compañeros artistas socializaran con él en la carretera. Sólo después de que se convirtió en un Locuras La estrella y los malabares abandonados hicieron que Fields comenzara a beber con regularidad. [76] Su papel en Paramount Pictures ' Casa internacional (1933), como aviador con un gusto insaciable por la cerveza, hizo mucho para establecer la reputación popular de Fields como un bebedor prodigioso. [77] Los publicistas del estudio promovieron esta imagen, al igual que el propio Fields en entrevistas de prensa. [78]

Fields expresó su afición por el alcohol a Gloria Jean (interpretando a su sobrina) en Nunca le des a un tonto un descanso uniforme: "Una vez estuve enamorado de una hermosa rubia, querida. Ella me llevó a beber. Eso es lo único por lo que estoy en deuda con ella". Igualmente memorable fue una línea en la película de 1940 Mi pequeño carbonero: "Una vez, en un viaje por Afganistán, perdimos nuestro sacacorchos y nos vimos obligados a vivir de comida y agua durante varios días". La anécdota tantas veces repetida de que Fields se negó a beber agua "porque los peces joden en ella" no tiene fundamento. [79]

En los sets de filmación, Fields filmó la mayoría de sus escenas en diferentes estados de embriaguez. Durante el rodaje de Cuentos de Manhattan (1942), llevaba consigo un frasco de vacío en todo momento y con frecuencia se valía de su contenido. Phil Silvers, quien tuvo un papel secundario menor en la escena con Fields, describió en sus memorias lo que sucedió a continuación:

Un día, los productores aparecieron en el set para suplicarle a Fields: "Por favor, no beba mientras filmamos, estamos muy retrasados". Fields se limitó a enarcar una ceja. "Caballeros, esto es sólo limonada. Para un poco de ácido que me aflige". Se apoyó en mí. "¿Sería tan amable de probar esto, señor?" Tomé un sorbo con cuidado, ginebra pura. Siempre he sido amigo del bebedor. Lo respeto por su valentía para apartarse del mundo del hombre pensante. Respondí a los productores con un poco de desdén: "Es limonada". ¿Mi recompensa? La escena fue eliminada de la imagen. [80]

En una cena testimonial para Fields en 1939, el humorista Leo Rosten comentó del comediante que "cualquier hombre que odie a los perros y los bebés no puede ser del todo malo". [81] La línea, que Citas familiares de Bartlett Más tarde, atribuido erróneamente al propio Fields, fue ampliamente citado y reforzó la percepción popular de que Fields odiaba a los niños y los perros. En realidad, Fields era algo indiferente a los perros, pero ocasionalmente tenía uno. [82] Le gustaba entretener a los hijos de amigos que lo visitaban y adoraba a su primer nieto, Bill Fields III, nacido en 1943. [83] Envió respuestas alentadoras a todas las cartas que recibió de niños que, inspirados por su actuación en La forma antigua, expresó interés en hacer malabares. [84]

En 1936, el consumo excesivo de alcohol de Fields precipitó un deterioro significativo de su salud. Al año siguiente se recuperó lo suficiente como para hacer una última película para Paramount, La gran transmisión de 1938, pero su comportamiento problemático desanimó a otros productores a contratarlo. En 1938 padecía una enfermedad crónica y delirium tremens. [85]

Físicamente incapaz de trabajar en películas, Fields estuvo fuera de la pantalla durante más de un año. Durante su ausencia, grabó un breve discurso para una transmisión radial. Su conocido acento sarcástico se registró tan bien entre los oyentes que rápidamente se convirtió en un invitado popular en los programas de radio de la cadena. [86] Aunque su trabajo en la radio no fue tan exigente como la producción de películas, Fields insistió en su salario de estrella de cine establecido de $ 5,000 por semana. Se unió al ventrílocuo Edgar Bergen y al muñeco de Bergen Charlie McCarthy en La persecución y la hora de la sanidad para las rutinas semanales de insultos y comedia.

Fields bromeaba con Charlie sobre que estaba hecho de madera:

Los campos: "Dime, Charles, ¿es cierto que tu padre era una mesa con patas de puerta?"

McCarthy: "¡Si es así, tu padre estaba debajo!"

Cuando Fields se refería a McCarthy como un "chico pin-up del pájaro carpintero" o un "albergue de termitas", Charlie respondía a Fields por su forma de beber:

McCarthy: "¿Es cierto, Sr. Fields, que cuando se paró en la esquina de Hollywood y Vine, 43 autos esperaban a que su nariz cambiara a verde?"

Bergen: "Bueno, Bill, pensé que no te gustaban los niños."

Los campos: "Oh, en absoluto, Edgar, me encantan los niños. Puedo recordar cuando, con mis propias piernas temblorosas, caminaba de una habitación a otra".

McCarthy: "¿Cuándo fue eso, anoche?"

Durante su recuperación de la enfermedad, Fields se reconcilió con su esposa separada y estableció una relación cercana con su hijo después del matrimonio de Claude en 1938. [87]

La renovada popularidad de Fields por sus transmisiones de radio con Bergen y McCarthy le valió un contrato con Universal Pictures en 1939. Su primer largometraje para Universal, No puedes engañar a un hombre honesto, continuó la rivalidad Fields-McCarthy. En 1940 hizo Mi pequeño carbonero, coprotagonizada por Mae West, y luego El banco Dick en el que tiene el siguiente intercambio con Shemp Howard, quien interpreta a un bartender:

Los campos: "¿Estuve aquí anoche y gasté un billete de $ 20?"

Shemp: "Sí."

Los campos: "Oh, vaya, qué carga no tengo en la mente. Pensé que perdió ¡eso!"

Fields peleó con los productores, directores y escritores de los estudios por el contenido de sus películas. Estaba decidido a hacer una película a su manera, con su propio guión y puesta en escena, y su elección de actores secundarios. Universal finalmente le dio la oportunidad, y la película resultante, Nunca le des a un tonto un descanso uniforme (1941), fue una obra de humor absurdo en la que Fields aparecía como "El gran hombre". [ cita necesaria ] La entonces popular estrella cantante de Universal, Gloria Jean, actuó junto a Fields, y sus compinches Leon Errol y Franklin Pangborn como sus contrastes cómicos. Por lo general, la película terminada era lo suficientemente surrealista como para que Universal recortara y volviera a grabar partes de ella y finalmente lanzara tanto la película como Fields. Ventosa fue la última película protagonizada por Fields.

Fields fraternizó en su casa con actores, directores y escritores que compartían su afición por la buena compañía y el buen licor. John Barrymore, Gene Fowler y Gregory La Cava se encontraban entre sus amigos cercanos. El 15 de marzo de 1941, mientras Fields estaba fuera de la ciudad, Christopher Quinn, el hijo de dos años de sus vecinos, el actor Anthony Quinn y su esposa Katherine DeMille, se ahogaron en un estanque de nenúfares en la propiedad de Fields. Apesadumbrado por la tragedia, hizo llenar el estanque. [88]

Fields tenía una biblioteca sustancial en su casa. Aunque era un ateo acérrimo, o tal vez por ello, estudió teología y recopiló libros sobre el tema. [89] Según una historia popular (posiblemente apócrifa, según el biógrafo James Curtis), Fields le dijo a alguien que lo sorprendió leyendo una Biblia que estaba "buscando escapatorias". [89]

En un episodio de 1994 de la Biografía serie de televisión, la coprotagonista de Fields en 1941, Gloria Jean, recordó sus conversaciones con Fields en su casa. Ella lo describió como amable y gentil en las interacciones personales, y creía que anhelaba el entorno familiar que nunca experimentó cuando era niño. [90]

Durante la campaña presidencial de 1940, Fields escribió un libro, Campos para presidente, con ensayos humorísticos en forma de discurso de campaña. Dodd, Mead and Company lo publicó en 1940, con ilustraciones de Otto Soglow. [91] En 1971, cuando Fields fue visto como una figura anti-establecimiento, Dodd, Mead publicó una reimpresión, ilustrada con fotografías del autor.

La carrera cinematográfica de Fields se desaceleró considerablemente en la década de 1940. Sus enfermedades lo confinaron a breves apariciones en películas como invitado. Una secuencia extendida en 20th Century Fox's Cuentos de Manhattan (1942) se eliminó del lanzamiento original de la película y luego se reinstaló para algunos lanzamientos de videos caseros. [92] La escena presentaba una reunión de templanza con gente de la alta sociedad en la casa de una adinerada matrona de la sociedad Margaret Dumont, en la que Fields descubre que el ponche se ha disparado, lo que resulta en invitados borrachos y un Fields muy feliz.

Actuó su rutina de mesa de billar por última vez para Sigue a los chicos, una revista de entretenimiento de estrellas para las Fuerzas Armadas. (A pesar de la naturaleza caritativa de la película, Fields recibió $ 15,000 por esta aparición que nunca pudo realizar en persona para las fuerzas armadas). Canción del camino abierto (1944), Fields hizo malabares durante unos momentos y luego comentó: "Este solía ser mi escándalo". [93] Su última película, la revista musical Sensaciones de 1945, fue lanzado a fines de 1944. Para entonces, su visión y memoria se habían deteriorado tanto que tuvo que leer sus líneas en pizarrones con letras grandes. [94]

En 1944, Fields continuó haciendo apariciones como invitado en la radio, donde la memorización de guiones era innecesaria. Un espacio invitado notable fue con Frank Sinatra en el programa de radio CBS de Sinatra el 9 de febrero de 1944.

La última aparición de Fields en la radio fue el 24 de marzo de 1946, en el programa de Edgar Bergen y Charlie McCarthy de la NBC. Justo antes de su muerte ese año, Fields grabó un álbum de palabras habladas, incluyendo su "Temperance Lecture" y "The Day I Drank a Glass of Water", en el estudio de Les Paul, donde Paul había instalado una nueva grabadora multipista. La sesión fue organizada por uno de sus escritores de radio, Bill Morrow, y fue la última actuación de Fields.

Al escuchar una de las grabaciones experimentales de varias pistas de Paul, Fields comentó: "La música que estás haciendo suena como un pulpo. Como un tipo con un millón de manos. Nunca había escuchado algo así". Paul se divirtió y nombró a su nueva máquina OCT, abreviatura de pulpo. [95]

Fields pasó los últimos 22 meses de su vida en el Sanatorio Las Encinas en Pasadena, California. En 1946, el día de Navidad, la festividad que dijo que despreciaba, tuvo una hemorragia gástrica masiva y murió a los 66 años. [96] Carlotta Monti escribió que en sus últimos momentos, usó una manguera de jardín para rociar agua en el techo. su dormitorio para simular su sonido favorito, la lluvia cayendo. [97] Según un documental de 2004, le guiñó un ojo y le sonrió a una enfermera, se llevó un dedo a los labios y murió. [98] Esta descripción conmovedora no está corroborada y es "poco probable", según el biógrafo James Curtis. [99] El funeral de Fields tuvo lugar el 2 de enero de 1947 en Glendale, California. [100]

Su cremación, como se indica en su testamento, se retrasó en espera de la resolución de una objeción presentada por Hattie y Claude Fields por motivos religiosos. [99] También impugnaron una cláusula que dejaba una parte de su patrimonio para establecer un "Colegio W. C. Fields para Niños y Niñas Blancos Huérfanos, donde no se debe predicar ninguna religión de ningún tipo". [101] [102] Después de un largo período de litigio, sus restos fueron incinerados el 2 de junio de 1949, [103] y sus cenizas enterradas en el cementerio Forest Lawn Memorial Park en Glendale.

Lápida editar

Una parte popular del folclore de Fields sostiene que su lápida tiene la inscripción "Preferiría estar en Filadelfia", o una variante cercana de la misma. La leyenda se originó a partir de un epitafio simulado escrito por Fields para un 1925 Feria de la vanidad artículo: "Here Lies / W.C. Fields / Preferiría vivir en Filadelfia". [104] En realidad, su marcador de entierro solo lleva su nombre artístico y los años de su nacimiento y muerte. [10]

Interpreta a un "héroe torpe". [105] En 1937, en un artículo en Imagen en movimiento revista, Fields analizó los personajes que interpretó:

Has escuchado la vieja leyenda de que es el tipo pequeño el que se ríe, pero yo soy el tipo más beligerante de la pantalla. Voy a matar a todos. Pero, al mismo tiempo, le tengo miedo a todo el mundo, sólo a un gran matón asustado. . Fui el primer cómic en la historia mundial, me dijeron, en pelear con niños. Arranqué a Baby LeRoy. luego, en otra foto, pateé a un perrito. . Pero sentí simpatía en ambas ocasiones. La gente no sabía qué podría hacer el bebé ingobernable para vengarse, y pensaron que el perro podría morderme. [106]

En características como Es un regalo y Hombre en el trapecio volador, se informa que escribió o improvisó más o menos todo su propio diálogo y material, dejando la estructura de la historia a otros escritores. [107] Con frecuencia incorporó sus bocetos escénicos en sus películas, por ejemplo, la escena "Back Porch" que escribió para el Locuras de 1925 fue filmada en Es el juego del viejo ejército (1926) y Es un regalo (1934) [108] el boceto de golf que realizó en la película perdida El dilema de su señoría (1915) fue reutilizado en el Locuras de 1918, y en las películas Tu viejo también (1926), El especialista en golf (1930), El dentista (1932) y Tú me estás diciendo (1934). [109]

Las características más familiares de Fields incluían un acento distintivo, que no era su voz normal. [110] Su manera de murmurar apartes desdeñosos fue copiada de su madre, quien en la infancia de Fields a menudo murmuraba comentarios maliciosos sobre los vecinos que pasaban. [111] Se deleitaba en provocar a los censores con doble sentido y las casi blasfemias "Godfrey Daniels" y "nácar". Una parte favorita de los "negocios", repetida en muchas de sus películas, involucró que su sombrero se descarrilara, ya sea atrapado en el extremo de su bastón o simplemente mirando hacia el lado equivocado, mientras intenta ponérselo en la cabeza. [112]

En varias de sus películas, interpretó a los estafadores, los pregoneros de carnaval y los objetos punzantes de las cartas, hilando hilos y distrayendo sus marcas. En otros, se presentó a sí mismo como una víctima: un marido y padre torpe y corriente cuya familia no lo aprecia. [113]

Fields a menudo reproducía elementos de su propia vida familiar en sus películas. Para cuando entró en las películas, su relación con su esposa separada se había vuelto amarga y creía que ella había vuelto a su hijo Claude, a quien rara vez veía, en su contra. [114] James Curtis dice de Hombre en el trapecio volador que la "desaprobadora suegra, la Sra. Neselrode, estaba claramente inspirada en su esposa, Hattie, y el hijo de mamá desempleado interpretado por [Grady] Sutton se llamaba deliberadamente Claude. Fields no había visto a su familia en casi veinte años y, sin embargo, los recuerdos dolorosos persistieron ". [115]

Nombres inusuales Editar

Aunque carecía de educación formal, Fields era muy leído y un admirador de toda la vida del autor Charles Dickens, cuyos nombres inusuales de personajes inspiraron a Fields a recopilar nombres extraños que encontró en sus viajes, para usarlos para sus personajes. [116] Algunos ejemplos son:

  • "El gran McGonigle" (La forma antigua)
  • "Ambrose Wolfinger" [apuntando hacia "Silbido de lobo"] (Hombre en el trapecio volador)
  • "Larson E. [lea" Hurto "] Whipsnade", el apellido tomado de una pista de perros que Fields había visto en las afueras de Londres [117] (No puedes engañar a un hombre honesto),
  • "Egbert Sousé" [pronunciado 'soo-ZAY', pero apuntando hacia "souse", un sinónimo de borracho] (El banco Dick, 1940).

Fields a menudo contribuyó a los guiones de sus películas con seudónimos inusuales. Incluyen el aparentemente prosaico "Charles Bogle", al que se le atribuyen cuatro de sus películas en la década de 1930 "Otis Criblecoblis", que contiene un homófono incrustado para "garabato" y "Mahatma Kane Jeeves", una obra de teatro sobre Mahatma y una frase que un aristócrata podría utilizar cuando esté a punto de salir de casa: "Mi sombrero, mi bastón, Jeeves". [118]

Jugadores de apoyo Editar

Fields tenía un pequeño grupo de jugadores de apoyo que empleó en varias películas:

    , cuya interacción en pantalla con Fields fue comparada (por William K. Everson) con la de Groucho Marx y Margaret Dumont [119]
  • Jan Duggan, un personaje de solterona (en realidad de la edad de Fields). [120] Fue de su carácter lo que Fields dijo en La forma antigua, "Ella está vestida como una tumba bien cuidada". , como una esposa o antagonista molesta, como una niña en edad preescolar aficionada a gastar bromas a los personajes de Fields, un actor de carácter omnipresente y quisquilloso que interpretó en varias películas de Fields, de manera más memorable como J. Pinkerton Snoopington en El banco Dick , como su esposa (aunque 16 años mayor que él), por lo general en un papel de apoyo en lugar del estereotipado regañona, típicamente un tipo campesino, como un contraste o un antagonista del personaje de Fields.
  • Bill Wolfe, como un personaje de aspecto demacrado, generalmente un contraste de Fields, como un asistente tonto, involuntariamente dañino, que apareció en siete películas de Fields hasta su muerte repentina por insuficiencia cardíaca en 1936

W. C. Fields fue (con Ed Wynn) una de las dos opciones originales para el papel principal en la versión de 1939 de El mago de Oz. Fields estaba entusiasmado con el papel, pero finalmente retiró su nombre de la consideración para poder dedicar su tiempo a escribir. No puedes engañar a un hombre honesto. [121]

Fields figuraba en un proyecto de Orson Welles. Los jefes de Welles en RKO Radio Pictures, después de perder dinero en Ciudadano Kane, instó a Welles a elegir como su próxima película un tema con más atractivo comercial. Welles consideró una adaptación de Charles Dickens Los papeles de Pickwick que habría protagonizado Fields, pero el proyecto se archivó, en parte debido a dificultades contractuales, [122] y Welles pasó a adaptar Los Magníficos Ambersons.

Durante la planificación inicial de su película Es una vida maravillosa, el director Frank Capra consideró a Fields para el papel del tío Billy, que finalmente fue para Thomas Mitchell. [123]

Una biografía más vendida de Fields publicada tres años después de su muerte, WC. Campos, sus locuras y fortunas de Robert Lewis Taylor, fue fundamental para popularizar la idea de que el personaje de la vida real de Fields coincidía con su personaje de la pantalla. [124] En 1973, el nieto del comediante, Ronald J. Fields, publicó el primer libro para desafiar esta idea de manera significativa, W. C. Fields por sí mismo, su autobiografía prevista, una recopilación de material de álbumes de recortes privados y cartas que se encuentran en la casa de Hattie Fields después de su muerte en 1963. [125]

Según Woody Allen (en un New York Times entrevista del 30 de enero de 2000), Fields es uno de los seis "auténticos genios del cómic" que reconoció como tales en la historia del cine, junto con Charlie Chaplin, Buster Keaton, Groucho y Harpo Marx y Peter Sellers. [126]

A los surrealistas les encantaba el absurdo y las bromas anarquistas de Fields. Max Ernst pintó un Proyecto de Monumento a W.C. Los campos (1957), y René Magritte hizo un Homenaje a Mack Sennett (1934).

Fields es una de las figuras que aparece en la escena de la multitud en la portada del álbum de 1967 de The Beatles. Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper. los Teatro Firesign titulado la segunda pista de su álbum de 1968 Esperando al electricista o alguien como él "W.C. Fields Forever", como un juego de palabras que se refiere a la canción de los Beatles "Strawberry Fields Forever".

El Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello conmemorativo en el centésimo cumpleaños del comediante, en enero de 1980. [127]

Hay un póster de Fields en la pared de la habitación de Sam en el programa de televisión Freaks and Geeks.

Caricaturas e imitaciones Editar

  • El personaje Horatio K. Boomer en el Fibber McGee y Molly El programa de radio tenía una personalidad y una entrega muy parecidas a los personajes interpretados por Fields.
  • Una caricatura de Fields aparece en el Lucky Luke álbum de cómics Circo occidental y nuevamente en la función animada Lucky Luke: La balada de los Dalton. [128]
  • El caricaturista Al Hirschfeld retrató a Fields en caricatura muchas veces, incluidas las ilustraciones de la portada del libro para ¡Maldita sea!, Un frasco de campos, y ¡Godfrey Daniels! - todo editado por Richard J. Anobile. [cita necesaria]
  • El programa de televisión Hotel Gigglesnort presentó un personaje títere llamado "W. C. Cornfield" que se parecía a Fields en apariencia y voz. [129]
  • El impresionista Rich Little imitaba a menudo a Fields en su serie de televisión Los Kopycats, y usó una caracterización de Fields para el personaje de Ebenezer Scrooge en su especial de HBO Cuento de Navidad de Rich Little (1978), una presentación individual de Un villancico.
  • Una serie de dibujos animados canadiense para niños de la década de 1960 Cuentos del mago de Oz presentó un mago con una imitación de voz de Fields, un guiño a la elección de Fields en la vida real para interpretar al mago en la película clásica de 1939 junto a Judy Garland.
  • Fields es una de las muchas celebridades caricaturizadas en el corto de Merrie Melodies de 1936 El Coo-Coo Nut Grove.
  • Fields se ve sentado en el banco de espectadores en la caricatura de Disney Equipo de polo de Mickey (1936).
  • Aparece como W.C. Fieldmouse en el corto de Merrie Melodies Los bosques están llenos de cucos (1937).
  • En la caricatura de Silly Symphonies de 1938 Mother Goose Goes Hollywood Fields es caricaturizado como Humpty Dumpty, en referencia a su papel en la película de acción real. Alicia en el país de las Maravillas (1933).
  • Un episodio de Los Picapiedras aparece un vagabundo que recibe ropa vieja que pertenece a Fred de su esposa Wilma, luego, cuando Fred intenta recuperar un abrigo, es golpeado con el bastón del vagabundo. El vagabundo tiene la voz y la personalidad de Fields.
  • The Firesign Theatre usó la personificación de la voz de Philip Proctor de Fields para dos personajes en sus álbumes Esperando al electricista o alguien como él y ¿Cómo puedes estar en dos lugares a la vez cuando no estás en ningún lugar?.
  • El mago de la identificación La tira cómica contiene un personaje de abogado sospechoso, una caricatura de Fields llamada "Larsen E. Pettifogger".
  • En la segunda serie del drama televisivo. Mafiosos se presenta un personaje llamado White Devil, que se hace llamar W.D. Fields, afectando los gestos vocales y la apariencia de Fields para confundir y confundir a sus enemigos. Interpretado por el escritor de la serie Philip Martin, él mismo aparece en el último episodio como "Larson E. Whipsnade" después del personaje de Fields en No puedes engañar a un hombre honesto. adaptó una rutina cómica de Fields para el especial de televisión animado Los locos, locos, locos comediantes en 1970.
  • El actor Bob Leeman interpretó a Fields en la película de 1991 El Rocketeer.
  • En 1971 Frito-Lay reemplazó el Frito Bandito Campaña publicitaria de televisión con una protagonizada por W.C. Fritos, un personaje redondo con sombrero de copa inspirado en la personalidad cinematográfica de Fields. Además, alrededor de 1970, Sunkist Growers produjo una serie de anuncios de televisión animados con el "Sunkist Monster", cuya voz era una impresión de Fields interpretada por Paul Frees.
  • El actor canadiense Andrew Chapman interpretó a Fields en un episodio con temática de vodevil de "Murdoch Mysteries" en la temporada 8, titulado "The Keystone Constables".
  • El comediante Mark Proksch se hace pasar por Fields en varios episodios de On Cinema, comenzando con el segundo especial anual de los Oscar de la serie y continuando a lo largo de la mayoría de las temporadas.

La información para esta filmografía se deriva del libro, W. C. Fields: una vida en el cine, por Ronald J. Fields. Todas las películas son de largometraje excepto donde se indique.


(Travalanche)

Este fin de semana es la Convención Nacional de Hobo en Britt, Iowa. Siempre he sido parcial tanto con la ética del vagabundo en sí (he estado trabajando en un ensayo sobre eso mismo durante un tiempo) como con la imagen del Comediante vagabundo o payaso. El primer disfraz que recuerdo haber usado fue un disfraz de vagabundo / payaso para un desfile de Halloween cuando tenía unos cuatro años. Captura la imaginación & # 8212 al vagabundo desarraigado, montando los rieles, saliendo a la carretera, sin ataduras, bindlestiff en su hombro. Samuel Beckett puso un núcleo de tales personajes en el centro de su obra maestra Esperando a Godot, el primer espectáculo que no es para niños y # 8217 que vi en un teatro. Y es el tema de uno de mis musicales favoritos de películas terriblemente extrañas. Aleluya, soy un vagabundo.

El tema es romántico, sentimental. Y, en manos del comediante adecuado, es divertido. Aquí & # 8217s un puñado de algunos destacados de vodevil, circo y películas (había partituras, tal vez cientos de otras además de estas). Simplemente haga clic en los enlaces a continuación para obtener más información sobre los artistas.

Los cómicos vagabundos habían sido populares durante mucho tiempo en el vodevil y el music hall cuando Chaplin decidió llevar a su personaje de la pantalla en esa dirección, convirtiéndose así en el vagabundo más popular del mundo. No solo había otros cómics de vagabundos en el mundo, sino que había varios que se parecían a los de Charlie & # 8217. Se decía (por algunos) que Chaplin había tomado su versión de Billie Ritchie y, a su vez, Billy West le robó la mirada y el acto a Chaplin.

Anunciado como & # 8220 El vagabundo feliz & # 8221, Wills bien pudo haber sido el vagabundo más popular de Estados Unidos desde el cambio de siglo hasta su prematura muerte en 1917. Fue una estrella del vodevil, Broadway y algunos de los primeros álbumes de comedia.

Harrigan fue ampliamente emulado en el vodevil desde finales del siglo XIX hasta principios del XX como el primer malabarista vagabundo.

Uno de los muchos que emularon a Harrigan al principio de su carrera fue el joven W.C. Fields, que se muestra aquí en su atuendo de vagabundo alrededor del cambio de siglo

El maquillaje y el disfraz de payaso triste del artista de circo Emmett Kelly se imitaron tanto que se convirtió en un cliché.

Escenario y pantalla Skelton tenía un repertorio de muchos personajes, su payaso & # 8220bum & # 8221 Freddie puede haber sido el más querido.

Bloom fue el primero de los cómicos vagabundos, precediendo incluso a Wills o Harrigan. Era conocido como & # 8220The Society Tramp & # 8221.

El comediante afroamericano George Dewey Washington adoptó una apariencia de vagabundo en Broadway y en las películas.

Para obtener más información sobre el vodevil, incluidas especialidades como los comediantes vagabundos, consultar Sin aplausos, solo tira dinero: el libro que hizo famoso al vodevil, disponible en Amazon, Barnes and Noble y dondequiera que se vendan libros chiflados.


Doc de 'Dawson City' cuenta la extraña historia de Lost Films

La historia sonaría inverosímil si la inventara un guionista de Hollywood: en 1978, un equipo de construcción que excavaba en la ciudad de Dawson City en Yukón descubrió 533 carretes de película de la era del cine mudo. El tesoro de noticieros y artículos dramáticos se había acumulado en el sótano de la biblioteca de la ciudad, bajo la supervisión del Canadian Bank of Commerce, hasta 1929, cuando el empleado bancario Clifford Thomson lo arrojó a una piscina desaparecida debajo de la pista de hockey de la ciudad. Thomson eliminó las películas de nitrato de plata altamente inflamables por razones de seguridad, sin saber que una capa gruesa de permafrost cubriría los recipientes enterrados y serviría como una forma primitiva de preservación de la película.

La extraña historia del descubrimiento de cientos de películas perdidas es el tema de Dawson City: tiempo congelado, que se proyectará el viernes 20 de octubre en el Dartmouth College's Centro Hopkins para las artes en Hanover, N.H. El sueño de un aficionado a la historia del cine, el documental también sirve para narrar un capítulo temprano del sueño americano, en el que miles de buscadores viajaron hacia el norte hasta la ciudad en auge canadiense que sirvió como el centro de la fiebre del oro de Klondike.

Después de que se descubrió la colección de películas de Dawson City, la Real Fuerza Aérea Canadiense la transportó a la Biblioteca y Archivos de Canadá en Ottawa. Aunque las películas cuidadosamente restauradas han estado disponibles para el público durante décadas, en esa ciudad y en la Biblioteca del Congreso, Dawson City el director Bill Morrison sospechaba que pocos estaban al tanto del significado del hallazgo.

"A medida que me metía más y más en la colección, [me di cuenta de] que realmente tenía una sinopsis de la civilización occidental en el siglo XX, de alguna manera", dice Morrison en una entrevista telefónica. "Desde la remoción de la población indígena y el descubrimiento de oro, y luego la corporativización del oro y cómo la ciudad realmente subió y bajó".

Como detalla el documental de Morrison, el remoto puesto de avanzada de Yukon atrajo una gran cantidad de figuras que luego se volverían famosas. "Tex" Rickard, el promotor de boxeo más exitoso de principios del siglo XX, se inició en el juego de lucha en Dawson City. William Desmond Taylor, el prolífico director de cine mudo cuyo asesinato sin resolver en 1922 escandalizó a Hollywood, fue cronometrador de la Yukon Gold Company. Frederick Trump, abuelo del 45 ° presidente de Estados Unidos, abrió un restaurante y hotel en Whitehorse, en la ruta a Dawson. Considerado por los historiadores que también contiene un burdel, el establecimiento sirvió como una de las primeras fuentes de la fortuna de la familia Trump.

Morrison no es ajeno a los documentos de metraje encontrado. Su película experimental de 2002 Decasia combinó clips de películas mudas en varias etapas de deterioro en una meditación abstracta sobre la muerte lenta del celuloide. Aunque su último trabajo también reedita el metraje encontrado, es un documental más tradicional, que mezcla clips de la colección de películas de Dawson City con entrevistas y fotografías de archivo.

Quizás la pepita más notable del tesoro cinematográfico recuperado son las imágenes de los noticieros de la Serie Mundial de 1919, que los jugadores de los Medias Blancas de Chicago conspiraron con los apostadores para lanzar. Como observa Morrison, es notable en sí mismo que las imágenes del infame escándalo de los "Black Sox" fueran parte de los carretes de la película que sobrevivieron. Aún más improbable es que uno de los momentos descritos, una doble jugada fallida en la cuarta entrada del Juego 1, se usó más tarde como evidencia en el juicio que llevó a ocho jugadores a ser excluidos del béisbol profesional de por vida.

"Todas las coincidencias que tendrían que suceder para que eso sea capturado y para que lo veamos hoy, es realmente impresionante", dice Morrison.

Morrison aparecerá en una sesión de preguntas y respuestas después de la proyección del viernes en Dartmouth. El jueves, se dirigirá a un par de clases impartidas por Mark Williams, profesor asociado de cine que también se desempeña como director de la Proyecto de Ecología de Medios, una iniciativa que brinda acceso en línea a materiales de investigación de imágenes en movimiento.

Williams ve la visita de Morrison como una oportunidad ideal para destacar un período olvidado de la historia del cine. "La mayoría de la gente no está familiarizada con esta era, ciertamente, y no necesariamente han pensado mucho en este tipo de recopilaciones de metraje encontrado como oportunidades para el arte", dice. "Y Bill es el maestro en eso".

Dartmouth tiene una larga historia de presentación y conservación de películas. los Sociedad Cinematográfica de Dartmouth tuvo su inicio en 1949 con una exhibición gratuita del 1932 W.C. Comedia Fields Piernas de un millón de dólares. Un alumno notable es Robert Gitt, quien ayudó a comisariar la colección de películas de la universidad como estudiante y luego se convirtió en oficial senior de preservación de películas en UCLA Film & amp Television Archive. Bill Pence, director de cine desde hace mucho tiempo en el Hopkins Center, cofundó el Festival de Cine de Telluride en 1974.

Sydney Stowe, quien asumió el cargo de directora interina de cine cuando Pence se jubiló el año pasado, señala que el Hop no se convirtió por completo a la proyección digital hasta 2013. Lamenta que muchos espectadores jóvenes nunca hayan experimentado ver una película de 35 mm parpadeando en la pantalla grande.

"Llevaba 60 libras de película hasta hace cuatro años y abría las latas y sacaba las películas y enhebraba los proyectores", recuerda Stowe, "así que tengo esa conexión con el nacimiento [de la película], pero no estoy seguro que hacen las audiencias modernas ".

Agrega que la escasez de películas recientes filmadas en material real subraya la importancia histórica del documental de Morrison.

"Creo que Dawson City ", dice Stowe," es, nos recuerda que el cine era un medio realmente dinámico y, a menudo, explosivo que se siente a años luz de lo que estamos experimentando ahora a través de nuestras computadoras y nuestros televisores y nuestras proyecciones [digitales] ".

Dawson City: tiempo congelado, Viernes 20 de octubre, 7 p.m., en Loew Auditorium, Hopkins Center for the Arts, Dartmouth College, en Hanover, N.H. $ 5-15. hop.dartmouth.edu

La versión impresa original de este artículo se titulaba "Documental de metraje encontrado descubre una mina de oro de gemas perdidas de la pantalla plateada".


(Travalanche)

El 9 de diciembre es el aniversario de la fecha de lanzamiento del clásico W.C. Campos cortos El dentista (1932). Junto con El vaso de cerveza fatal y El especialista en golf esta película se encuentra entre las comedias clásicas que más veces he visto. Un video recopilatorio fue una de las primeras cintas de video que obtuve (cuando el video casero era nuevo) y ciertamente he visto estas películas docenas y docenas de veces. (Estas películas pasaron al dominio público en la década de 1960, por lo que se encuentran entre las más accesibles de todas las películas y lo han sido durante medio siglo. Si aún no las ha visto, esperamos que lo rectifiquen aquí y ahora)

El dentista fue adaptado de un boceto que Fields había hecho en Earl Carroll & # 8217s Vanidades de 1928, con algunos elementos de su famosa rutina de golf de la Locuras de Ziegfeldy algunos otros elementos narrativos nuevos. Fue filmada durante la ventana de tiempo en la que el estado de Fields & # 8217 como estrella de cine estaba en su punto más bajo. Había sido una estrella de los largometrajes de Paramount en la silenciosa década de 1920, pero esa carrera había fracasado. A mediados de los años 30 volvería a ser una estrella de las comedias de Paramount & # 8212 después de demostrar su valía en estos cortos y varias partes en comedias colectivas. Por lo tanto, Mack Sennett pudo atraparlo brevemente para sus cortos de comedia. Sennett estaba saliendo en esta fecha tardía & # 8212 sus películas con Fields se consideran sus últimos suspiros de grandeza. ¡Pero qué nota para salir!

La trama es simple. Fields interpreta a un rompe mandíbulas de un pequeño pueblo que masacra a varios pacientes de aspecto excéntrico, entre hoyos de golf, e intenta evitar que su hija rebelde (Babe Kane) se fugue con el hombre de hielo (Arnold gris). Este último desarrollo proporciona la única apariencia de la trama, la mayoría es solo un boceto de retroceso hilarante, a veces travieso, lleno de bromas de risa y negocios físicos. & # 8220 & # 8217tienes suerte de que no fue & # 8217t un perro de Terranova el que te mordió, & # 8221 bromea Fields cuando su linda y coqueta paciente (Dorothy Granger) se inclina para mostrarle el lugar en su tobillo donde fue mordida por un Dachsund. También debe luchar con una mujer de piernas largas que se asemeja a Olive Oyl (Elise Cavanna) con el fin de arrancar un diente rebelde. Y luego está el pequeño hombre ruso (Billy Bletcher) cuya barba es tan espesa que Fields no puede encontrar su boca. Cuando altera los bigotes tratando de llegar a los dientes, salen volando dos pájaros. (Por cierto, esta broma es la fuente de una de las historias de la vida real más conocidas del mundo del espectáculo. Cuando Fields la presentó en el escenario en el Vanidades en realidad fue arrestado y juzgado por maltrato animal cuando uno de los pájaros murió.) Otros notables en el elenco incluyen a Bud Jamison como el dentista y amigo Harry Frobisher, y Bobby Dunn como el dentista y caddie.


Para el Showman Behind Film Forum, continúa el programa

El mes pasado, los proyectores de Film Forum volvieron a encenderse por primera vez en más de un año, para una proyección de la tragedia carnavalesca de Fellini. La Strada.

“Quería abrir con un clásico de la casa de arte realmente famoso”, dijo Bruce Goldstein, el programador de repertorio de 68 años que ha estado creando robustas retrospectivas y resurgimientos de películas clásicas para Film Forum desde 1986.

Cuando la pandemia de COVID-19 comenzó a extenderse por la ciudad de Nueva York el año pasado y Film Forum anunció que cerraría el 14 de marzo, el teatro sin fines de lucro solo había proyectado la mitad del último gran escaparate de Goldstein. Titulada "Las mujeres detrás de Hitchcock", la serie de más de 30 películas destacó las contribuciones cinematográficas subestimadas de dos colaboradoras de Hitchcock, su productora Joan Harrison y su esposa y guionista Alma Reville. La última película proyectada de la serie de Goldstein antes de que se cancelara abruptamente fue el thriller de Hitchock de 1963, Las aves. La película permaneció en la carpa durante el año en que se suponía que Film Forum albergaría un festival que celebraba su 50 aniversario.

"Pensé que era divertido porque era una película apocalíptica", dijo Goldstein.

Durante la pausa de Film Forum, Goldstein se mantuvo ocupado preparando series futuras, trabajando en proyectos documentales y ocupándose de la empresa de distribución de películas que fundó en 1997, Rialto Pictures, que se especializa en reeditar obras clásicas en salas de cine.

"Bruce es un showman anticuado y un neoyorquino por excelencia", dijo Andrienne Halpern, ex abogada del entretenimiento y copresidente de Rialto Pictures. Halpern se incorporó a la empresa un año después de su fundación y sigue asegurando los derechos del vasto catálogo de Rialto de más de un centenar de películas, muchas de ellas clásicas del cine de arte europeo.

Dado que las salas de cine se cerraron durante la pandemia, la compañía reservó en su lugar proyecciones de películas que eran más populares que su tarifa habitual, como Evil Dead 2, Terminator 2, y Escape de Nueva York. El último lanzamiento de Rialto, el apasionante drama francés La Piscine, comenzó a presentarse en Film Forum el 14 de mayo.

Las semillas de la cinefilia se plantaron en Goldstein durante su infancia, mientras veía películas antiguas protagonizadas por los hermanos Marx, W.C. Fields, Mae West y Humphrey Bogart, por nombrar solo algunos, en los canales 5 y 11. Nacido en Amityville, Nueva York, y criado en Hicksville, Goldstein viajó a la ciudad de Nueva York cuando era niño y adolescente, y se enamoró con sus salas de cine de repertorio, particularmente el New Yorker y el Thalia. Recordando lo que lo enganchó de estos cines ahora desaparecidos, Goldstein dijo: "Sentir la atmósfera del teatro en sí, combinada con la impresión de 35 mm, fue como una cápsula del tiempo para mí".

En 1970, a los 18 años, Goldstein abrió su propio teatro de repertorio en Cape Cod, Massachusetts. No le fue bien, y después de solo una temporada, se lo pasó a otros para que lo corrieran. Mirando hacia atrás, dijo que abrir un lugar para películas antiguas probablemente no era la mejor idea en una ciudad donde todo el mundo estaba tratando de echar un polvo. Unos años más tarde, se mudó a la ciudad de Nueva York para trabajar y programar en Bleecker Street Cinema y Carnegie Hall Cinema, seguido de dos años de trabajo en la industria de la moda en Londres como gerente de publicidad antes de regresar a la ciudad nuevamente en 1981. Fundó una exitosa empresa de publicidad cinematográfica y comenzó a codirigir Thalía, cargo que ocupó hasta 1984.

La "historia anterior a Bruce de Film Forum", como la describió la directora Karen Cooper, comenzó en 1970 cuando el teatro recién inaugurado consistía en una sala llena de sillas plegables y un solo proyector en el Upper West Side. Cooper se hizo cargo en 1972, trasladó Film Forum al Soho en 1975 y luego a Watts Street en 1980. En ese momento, Cooper tenía una segunda sala de proyecciones y estaba tratando de encontrarle un uso. Lo alquiló durante varios años hasta que decidió que Film Forum debería hacer toda su programación internamente.

Según Goldstein, el crítico de cine J. Hoberman le recomendó a Cooper que seleccionara películas para su otra pantalla. Ni Cooper ni Hoberman pudieron recordar si él abogó por Goldstein para conseguir el trabajo. Sin embargo, Hoberman revisó las películas que Goldstein proyectó en el Thalia para el Village Voice durante principios de los ochenta y sabía que era increíblemente conocedor y enérgico. "De todos modos, me alegra tomar el crédito", escribió Hoberman en un correo electrónico.

Aparte de una vez en que Cooper se opuso a que Goldstein colocara una foto de Bye Bye Birdie actriz Ann-Margret en un calendario (odia a Ann-Margret), no puede recordar ninguna fricción importante con su programador de repertorio. Durante los más de 30 años que Goldstein ha pasado en Film Forum, Cooper le ha dado rienda suelta a las proyecciones clásicas y admira su profundo y enciclopédico conocimiento de la historia del cine. "Es un poco tonto interferir con alguien que sabe lo que está haciendo", dijo Cooper. "Bruce sabe lo que está haciendo, ya sabes, mejor de lo que puedo empezar a decir".

Con tiempo de sobra durante la pandemia, Goldstein exploró la ciudad a pie y tomó fotografías de todo lo que llamó su atención. Nunca solía tomar fotos con su iPhone, pero ahora hay miles. Me mostró tapas de alcantarillas que encontró que datan de hace más de cien años, un grabado fácil de perder de los Diez Mandamientos en hebreo en la fachada de una antigua sinagoga en East 10th Street que ahora es una iglesia bautista, y una mujer sentada en un vagón de metro con una chaqueta de bombardero cuya espalda dice "LES STRONG". Después de compartir algunas instantáneas de rostros tallados en las entradas de los edificios de apartamentos, Goldstein dijo: "Hay vestigios por toda la ciudad de cosas que ya no existen, pero solo hay que mirar".

Fotografiar avistamientos oscuros en la ciudad es un pasatiempo apropiado para Goldstein. Un aficionado a la ciudad de Nueva York y proselitista para su vecindario del Lower East Side, también hace documentales cortos sobre cómo las películas tienen éxito (o fracasan) en representar su querida ciudad. En 2010, la gira hecha en un día de Goldstein por el vecindario de la infancia del director Martin Scorsese, Les Rues de Mean Streets, apareció como una característica especial en un DVD francés. Tras los pasos de "Speedy" (2015) distingue los momentos de la comedia muda de Harold Lloyd de 1928 que se filmaron en Nueva York de los que se hicieron en Los Ángeles. En Descubriendo "La ciudad desnuda" (2020), Goldstein educa a los espectadores sobre la asombrosa cantidad de lugares de rodaje auténticos en la innovadora película policial de Jules Dassin de 1948.

Su corto más reciente, Pelham uno, dos, tres: metro de Nueva York, que se estrenó en HBO Max el 6 de mayo como parte del TCM Classic Film Festival, presenta la película policial de 1974 como un auténtico thriller del metro. Después de detallar cómo el equipo de la película tuvo que usar máscaras quirúrgicas mientras filmaba en túneles subterráneos, Goldstein mira a la cámara con falsa sorpresa y pregunta: "¿Te imaginas?"

A Goldstein se le ha referido a menudo como un showman, un descriptor que espera estar a la altura. Es una reputación ganada durante décadas de hacer un esfuerzo adicional para deleitar a su público, ya sea presentando películas en 3-D de los años 50 con las técnicas de proyección de la época, enviando esqueletos sobre sus cabezas mientras los timbres suenan debajo de los asientos para las proyecciones de los trucos de William Castle. películas de terror, o asegurarse de que haya un pianista presente para acompañar una película muda. "Estoy algo inspirado por el espectáculo", dijo Goldstein. "No creo que solo puedas mostrar películas. Ya no es suficiente, nunca lo fue ".

Aunque amante del pasado, Goldstein nunca ha sido un extraño para abrazar lo nuevo. Su serie de 2012 “This is DCP” marcó una celebración de la calidad vívida que las restauraciones digitales y la proyección pueden aportar a las películas clásicas en un lugar conocido desde hace mucho tiempo por proyectar impresiones raras de 35 mm en celuloide. En 2015, Goldstein contrató a Elspeth Carroll fuera de la universidad. Mientras ella pasaba de asistente a programadora, él le dio el margen de maniobra para crear series que quedaban fuera de su propia experiencia, como una amplia lista internacional de películas titulada "LA HORA DE LA LIBERACIÓN: Descolonizar el cine, 1966-1981".

“Siempre ha sido muy bueno reconociendo y promoviendo buenas ideas, incluso cuando están fuera de su timonera”, dijo Carroll. "Él comprende a la audiencia mejor que nadie y tiene un gran instinto para saber cómo se desarrollarán las cosas y cómo promoverlas".

Film Forum reabrió el 2 de abril, adhiriéndose al límite de asientos del 25% en los cines de la ciudad de Nueva York (desde entonces se ha destapado con la advertencia de que los espectadores deben sentarse a seis pies de distancia). Goldstein no prevé un regreso completo a la programación de la serie grande y exhaustiva que ha caracterizado su mandato como showman residente de Film Forum en el corto plazo. Sin embargo, está haciendo planes para series que incluirían más películas a medida que la cantidad de personas que pueden ingresar al cine continúa creciendo.

Una retrospectiva elaborada por Goldstein sobre 15 películas clásicas de Humphrey Bogart se proyectará en el Film Forum del 16 de julio al 5 de agosto. El teatro también tiene las copias de películas sin proyectar de la mitad cancelada de "Las mujeres detrás de Hitchcock", y Goldstein tiene la intención de terminar lo que él empezado.


Carlotta Monti

En 1933, W. C. Fields conoció a una joven actriz llamada Carlotta Monti. Tuvieron una relación intermitente durante los años restantes de su vida. Con frecuencia vivían juntos, y ella asumía el papel de su amante. Más tarde escribió el libro, W. C. Fields y yo, que luego se convirtió en una película biográfica después de su muerte.


Director de cine mudo recuerda W.C. Campos - HISTORIA

Rudolph Valentino (1895-1926):

La mayor atracción masculina en las películas románticas exóticas y aventureras fue el guapo y apasionado importado italiano Rudolph Valentino, después de su gran aparición en la famosa escena del tango en el espectáculo del director Rex Ingram. Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921). Apodado el & quotLatin Lover & quot ;, el ídolo matinee simboliza el erotismo prohibido y misterioso que se le niega a las mujeres estadounidenses en la década de 1920 en películas como El jeque (1921), Camille (1921), el exitoso Sangre y arena (1922), El águila (1925), y El jeque secuela popular El hijo del jeque (1926). El hijo del jeque fue un tremendo éxito, lanzado en el momento del funeral de Valentino.

En 1926, fallece a la prematura edad de 31 años, debido a una úlcera perforada y peritonitis. Las multitudes en Nueva York, en su mayoría mujeres dolientes, rozaban la histeria colectiva mientras intentaban ver su cuerpo. [Uno de los legados de Valentino fue que una marca de condones populares recibió el nombre de su papel en una de sus películas más famosas]. El director nativo Clarence Brown, que había dirigido a Valentino en El águila (1925) También dirigió a la actriz importada Greta Garbo en Carne y el diablo (1927), Mujer de asuntos (1928)y cambio de década Anna Christie (1930).

Expresionismo alemán y su influencia:

Un movimiento artístico denominado Expresionismo se estableció en la prolífica industria cinematográfica europea después de la Primera Guerra Mundial. Floreció en la década de 1920, especialmente en Alemania en una 'época dorada' del cine (a menudo denominada 'Cine de Weimar'), debido a menos restricciones y programas de producción menos estrictos. .

El expresionismo estuvo marcado por la estilización, las sombras oscuras y la dramaturgia claroscuro iluminación, narración visual, personajes grotescos, tomas angulares distorsionadas o inclinadas (de calles, edificios, etc.) y decorados abstractos. Los principales directores que utilizaron estos nuevos estilos dramáticos poco convencionales, atmosféricos y surrealistas incluyeron a G.W. Pabst (conocido más tarde por dirigir a la actriz estadounidense Louise Brooks en La caja de Pandora (1929)), Paul Leni (quien dirigió la película 'La vieja casa oscura' El gato y el canario (1927) y Universal's El hombre que ríe (1928) con Conrad Veidt), F.W. Murnau y Fritz Lang.

A principios de la década de 1920, tres películas expresionistas alemanas de pesadilla iban a tener una influencia fuerte y significativa en el desarrollo venidero de las películas estadounidenses en los años 30-40, en particular el ciclo de películas de terror de Universal Studios en los años 30, y el advenimiento de cine negro en la década de 1940:

  • La película de terror y fantasía surrealista de Robert Wiene El gabinete del Dr. Caligari (1919-20, Germ.) (también conocido como Das Kabinett des Doktor Caligari) protagonizada por Conrad Veidt, el primer y más influyente cine expresionista alemán
  • La clásica película de vampiros de F. W. Murnau (la primera de su tipo) con el actor Max Schreck, una adaptación de la de Bram Stoker. Drácula novela titulada Nosferatu, Una sinfonía de horrores (1922, Germ.) (también conocido como Nosferatu, Symphonie des Grauens)
  • Fritz Lang's Dr. Mabuse: El jugador (1922, Germ.) (también conocido como Doktor Mabuse der Spieler) introdujo el genio malvado del director.
  • - Lang's Metrópolis (1927, Germen.) ha sido generalmente considerada la última de las películas clásicas expresionistas alemanas

Destinado a fomentar la visualización de películas en idiomas extranjeros, se pusieron subtítulos en inglés en el musical alemán Dos corazones en tiempo de vals (1930) (también conocido como Zwei Herzen im Dreiviertel-Takt) de Herman Weinberg. Era el primero película que se subtitulará para su lanzamiento en los Estados Unidos.

Algunos de los mejores artistas, directores y estrellas (como Pola Negri, Bela Lugosi, Peter Lorre y Greta Garbo) de los círculos cinematográficos europeos fueron importados a Hollywood y asimilados allí como emigrantes. Varios de los primeros directores de Hollywood fueron artistas contratados del extranjero, incluidos los directores alemanes de éxito F. W. Murnau (invitado a Hollywood por William Fox para su primera película de Fox), la aclamada Amanecer (1927)), Fritz Lang, Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch (dirigió su primera película estadounidense, Rosita (1923) protagonizada por Mary Pickford), el gran director sueco Victor Seastrom (famoso por El viento (1928) - la última película muda de Lillian Gish), el director de origen austriaco Erich von Stroheim, el productor Alexander Korda, el director Michael Curtiz (reclutado por Warner de Hungría), el director de fotografía alemán Karl Freund y el director de origen ruso Rouben Mamoulian.

La primera comedia estadounidense del director Ernst Lubitsch El círculo del matrimonio (1924) sobre la infidelidad conyugal en Viena, fue posteriormente rehecho como el musical Una hora contigo (1932). Con su clásico, sofisticado & quottouch & quot, Lubitsch enfrentó audazmente el código de censura anterior a Hays con Así que esto es París (1926).

Más tarde, en Alemania, la última gran película muda de Fritz Lang fue el drama futurista. Metrópolis (1927) - la película cara enriqueció el cine en los años venideros con sus técnicas innovadoras, decorados futuristas y diseño de producción expresionista, y estudio alegórico del sistema de clases. El notable clásico del cine mudo de Murnau La última risa (1924) contó toda su historia sobre un portero de hotel orgulloso pero degradado (Emil Jannings) a través de la visualización, movimientos de cámara innovadores (con un solo título intermedio), estilizados mis-en-scene, un punto de vista subjetivo y efectos ópticos. Ambos Lang's Metrópoli y de Murnau La última risa fueron filmadas por el pionero camarógrafo alemán Karl Freund.

Murnau también filmó la sátira de Moliere del siglo XVII. Tartufo (1925) como una película dentro de una película, y la tragedia de Goethe Fausto (1926) con impresionantes claroscuro, imágenes de castillos medievales, enormes montañas y Fausto (Gosta Ekman) volando con Mephisto (Emil Jannings). Fausto fue la película que le dio a Murnau un contrato con Fox Studios de Hollywood. Las películas oscuras de Josef von Sternberg a finales de la década de 1920 marcaron el comienzo de la película de gángsters: Inframundo (1927), La red de arrastre (1929), y Los muelles de Nueva York (1929).

El estilo del director nacido en Austria Erich von Stroheim era más duro y europeo que las obras de otros directores importados. Había comenzado como subdirector de D. W. Griffith. Su especialidad era el retrato melodramático de una Europa decadente con audaces escenas de sexualidad. Su inquietante y cara Esposas tontas (1922) fue el mas largo película estadounidense de fabricación comercial que se estrenará sin cortes a las 6 horas y 24 minutos en América Latina, pero fue severamente editada a una versión de 10 carretes para su lanzamiento general. La admirada obra maestra silenciosa de nueve horas y 42 carretes de Von Stroheim Codicia (1924) (una adaptación detallada de la novela de Frank Norris McTeague) se proyectó solo una vez en su forma original para ejecutivos de MGM recién formados, incluido Irving Thalberg, y luego se redujo severamente a su duración actual de 133 minutos (aproximadamente 10 carretes). Según se informa, MGM fundió los 32 carretes de negativos editados para extraer el valioso nitrato de plata de la película. Las mismas dificultades de un gasto excesivo extravagante y una duración interminable también plagaron su película. La marcha nupcial (1928).

Ruso legendario autor la clásica película histórica y visionaria del director Sergei Eisenstein, Acorazado Potemkin (1925, Unión Soviética) fue lanzado en los EE. UU. en 1926, avanzando el arte de la narración cinematográfica con la técnica de montaje (o edición de películas). Su escena cinematográfica más célebre, con una edición excelente que combina secuencias amplias parecidas a un noticiero entrecortadas con primeros planos de detalles desgarradores, para aumentar la tensión, fue el episodio Odessa Steps. Se basó en el incidente de 1905 cuando civiles y alborotadores fueron masacrados sin piedad. En la escena (con 155 disparos separados en menos de cinco minutos), los soldados zaristas dispararon contra la multitud que se apiñaba en los escalones de Odessa con la imagen cinética e indeleble de un cochecito de bebé bajando los escalones de mármol que conducen al puerto, y el simbolismo de un león de piedra que se despierta. [Nota: la escena fue parodiada en varias películas, incluida la de Terry Gilliam Brasil (1985) y Brian DePalma's Los intocables (1987).]

Otro logro cinematográfico tecnológico fue alcanzado por el cineasta experimental francés Abel Gance en su película Napoleón (1927, p.), una imagen visualmente revolucionaria originalmente de seis horas de duración y parcialmente filmada con panorámica, & quot; tríptico & quot Polyvision (tres pantallas una al lado de la otra para crear un efecto de pantalla ancha, más tarde conocido por las generaciones futuras como Cinerama) en su punto culminante. Esto significó que la película tuvo que filmarse con tres cámaras sincronizadas y luego proyectarse en pantallas gigantes de 3 partes. [Dentro de unos años, Fox Grandeza El sistema de pantalla ancha fue uno de los primeros intentos de 70 mm. calibre de película.]

Y a finales de la década, la influyente y creativa película El hombre de la cámara de cine (1929, Unión Soviética) del camarógrafo / director experimental Dziga Vertov, empleó algunos de los primeros usos de la pantalla dividida, la edición de montaje y las escenas filmadas rápidamente en su vista de Moscú.

Comedia florecida: Arbuckle, Chaplin, Lloyd, Keaton y más

Fue una gran época para la comedia muda alegre, con el triunvirato de humoristas: Charlie Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd, y la popularidad inicial de Roscoe & quotFatty & quot Arbuckle hasta que un escándalo destruyó su carrera en 1921.

"Fatty" Arbuckle fue uno de los primeros comediantes del cine mudo (además de director y guionista). Comenzó con Selig Polyscope Company en 1909 (su primera película fue El hijo de Ben (1909)), y luego pasó a Universal Pictures en 1913 y también apareció en varias de las películas de Mack Sennett. Comedias clave películas, destacadas por secuencias de persecución de ritmo rápido y segmentos de 'pastel en la cara'. Arbuckle fue el primero de los comediantes mudos en dirigir sus propias películas, comenzando con Flirteos en el corral (1914). Su trabajo en equipo con Mabel Normand en Keystone, en una serie de películas "Fatty and Mabel", fue lucrativo para el estudio.

En 1917, Arbuckle formó su propia compañía de producción (& quotComique Film Corporation & quot) con el productor Joseph Schenck que le permitió un mayor control creativo, contratando a Buster Keaton para protagonizar su primera película. El chico carnicero (1917). Usó su 'gordura' como parte de sus mordazas visuales, y su carácter ligeramente vulgar pero dulce y juguetón se volvió extremadamente popular entre el público más joven. En 1919, había conseguido un contrato de 3 millones de dólares / 3 años con Paramount Pictures para protagonizar 18 películas mudas: la primero contrato de varios años y varios millones de dólares para un estudio de Hollywood. Se ha mencionado poco que Arbuckle fue mentor y ayudó a Buster Keaton y Charlie Chaplin cuando ingresaron al negocio del cine, antes de su propia caída a principios de la década de 1920.

Mientras la última comedia de Arbuckle se proyectaba en todo el país, Locos por casarse (1921), estaba celebrando en el hotel St. Francis de San Francisco durante un fin de semana del Día del Trabajo de tres días. Durante la fiesta en el hotel con licor fluyendo libremente (¡durante la Prohibición!), Fue acusado de la violación y asesinato de la joven estrella de 25 años y 'chica fiestera' Virginia Rappe en un caso ampliamente publicitado: Rappe murió a los pocos días. más tarde en un hospital de una vejiga rota. Arbuckle fue reprendido de manera completa e injusta por el 'periódico de juicio' de Hearst (con ventas vertiginosas) y la condena pública. Uno de los asistentes a la fiesta entrevistados por la fiscalía era una testigo poco confiable llamada Maude Delmont, conocida en Los Ángeles como chantajista y como 'Madame Black', con antecedentes penales de fraude y extorsión (atraía a mujeres jóvenes a fiestas para atrapar a hombres ricos). . Afirmó que Arbuckle agredió a Rappe, aunque otros testigos refutaron sus afirmaciones. La carrera de Fatty había terminado sustancialmente, aunque finalmente fue absuelto por completo del acto después de tres juicios en la primavera de 1922.

La popularidad de Charlie Chaplin como el vagabundo se disparó en las películas después de sus películas iniciales con Keystone, Essanay y Mutual. Como ya se dijo, cofundó Artistas Unidos estudios en 1919 con Mary Pickford, D. W. Griffith y Douglas Fairbanks. Su primero largometraje mudo fue la película de 6 carretes de First National El niño (1921) (con la estrella infantil Jackie Coogan), en la que interpretó al vagabundo en un intento por salvar a un niño abandonado y huérfano. (Chaplin de 35 años se casó con su menor de edad, de 16 años El niño coprotagonista Lita Gray en 1924).

Chaplin también apareció en El peregrino (1923) - en el que imitó la historia de David y Goliat, y en el clásico La fiebre del oro (1925), una historia con patetismo y comedia salvaje sobre un prospector solitario en Alaska. Chaplin recibió un premio especial de la Academia & quot por su versatilidad y genio en la escritura, actuación, dirección y producción & quot para El circo (1928). Las comedias de Chaplin fueron igualadas por las acrobacias y las travesuras temerarias del cómico silencioso Harold Lloyd, quien apareció como un galán, 'nunca digas-muere' All-American & quotBoy & quot (con anteojos) en Última seguridad (1923) - famoso por su angustiosa subida al costado de un edificio alto, Chica tímida (1924), El estudiante de primer año (1925), y El hermano menor (1927).

También estaba el trabajo cómico inspirado de Buster Keaton (The Great Stone Face), pasivamente serio y sardónico en Sherlock Jr. (1924) (Keaton primero trabajo de dirección en solitario), El navegante (1924), la epopeya de la Guerra Civil El general (1927) (Keaton codirigió con Clyde Bruckman) sobre un tren fuera de control con espectaculares gags visuales, Steamboat Bill, Jr. (1928) - su última película independiente, y El camarógrafo (1928), Keaton primero película para MGM que también marcó el comienzo de su declive.

El mejor largometraje de Harry Langdon con cara de bebé en una carrera cinematográfica corta de cuatro años, El hombre fuerte (1926), fue el debut cinematográfico del director Frank Capra. La película es anterior a la de Chaplin. Luces de la ciudad (1931) por varios años con su trama de un hombre manso enamorado de una ciega. Langdon también protagonizó otros dos éxitos: Vagabundo, vagabundo, vagabundo (1926) y Capra's Pantalones largos (1927) eso lo colocaría en la misma liga que sus otros tres contemporáneos del cómic: Charlie Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd. Stan Laurel y Oliver Hardy aparecieron en su primero película como un equipo de comedia de payasadas, una comedia de estudio de Hal Roach Sopa de pato (1927), y luego actuó en el director Clyde Bruckman Poniéndote pantalones a Philip (1927). Los hermanos Marx debutaron en su primero filmar juntos en 1929, Los Cocoanuts (1929).


Nuestra historia: el comediante W.C. Fields una vez llamó a Bayside su hogar

En enero, el Museo Americano de la Imagen en Movimiento presentó una retrospectiva que celebra la carrera de un cómico maestro, W.C. Los campos. Un genio de la comedia cinematográfica, Fields comenzó su carrera como animador de salas de variedades y se hizo conocido por su humor mordaz, así como por su nariz bulbosa y su voz arrastrada. Sin embargo, los relatos del evento del Museo no mencionaron que Fields fue una vez un residente del pueblo de Bayside y que algunas de sus primeras películas mudas se hicieron aquí. Una fue filmada en Bell Avenue (el nombre anterior de hoy & # 8217s Bell Boulevard) frente a la casa de la infancia de mi esposo & # 8217s cerca de la 48th Avenue, que se usó como telón de fondo y él estaba presente, sentado en la valla frente a la cual las cámaras estaban preparadas.

WC. Fields nació como Claude William Dunkenfield en abril de 1879 en Filadelfia. A una edad temprana se escapó de casa, tuvo algunos encuentros con la ley por pequeños robos y de alguna manera se convirtió en vodevil. A menudo considerado como & # 8220 el comediante más grande del mundo & # 8221, prefería ser conocido como el & # 8220 más malabarista del mundo & # 8221 y fue como malabarista cómico lo que hizo su reputación inicial. Se unió a Ziegfield Follies en 1915 y luego apareció en Scandals of 1922 antes de hacer & # 8220Sally of the Sawdust, & # 8221 dirigida por el famoso D.W. Griffith.

Durante el rodaje, Fields improvisó gran parte de su material. Sin embargo, sí escribió los guiones de muchas de sus películas utilizando varios seudónimos. Apareció con Baby Leroy en & # 8220It & # 8217s a Gift, & # 8221, uno de sus vehículos que odian a los niños, y desempeñó papeles tan variados como Zazu Pitts & # 8217 esposo por correo en & # 8220Mrs. Wiggs of the Cabbage Patch. & # 8221 Como & # 8220Great McGonigle & # 8221, interpretó a un actor y director de un teatro melodramático de principios de siglo.

Algunos dicen que la visión misantrópica del mundo de Field & # 8217 que se refleja en sus películas proviene de sus experiencias juveniles en las calles más sórdidas de Filadelfia.

A los 21 años, Fields era una estrella internacional del malabarismo. Después de haber protagonizado Ziegfield & # 8217s Follies en 1914, hizo su primera película, & # 8220Pool Shark, & # 8221, que se basó en uno de sus actos más famosos.

Fields tuvo una carrera errática en el cine mudo pero supo ascender al estrellato con la llegada del sonido. Su personalidad cómica y sus observaciones sobre la vida se mezclaron bien con su nariz bulbosa y sus ojos nublados mientras se avecinaba una extraña calamidad.

Sus mejores películas, & # 8220Million Dollar Legs & # 8221 (1936), & # 8220 You Can & # 8217t Cheat an Honest Man & # 8221 (1939), & # 8220 My Little Chickadee & # 8221 (1940), & # 8220 The Bank Dick & # 8221 ( 1940) y & # 8220Never Give a Lecker an even break & # 8221 (1941), lo convirtieron en una de las estrellas más populares de su tiempo.

Una de las elecciones de reparto más inspiradas fue la decisión de MGM de tomar prestado a Fields de Paramount para interpretar a Micawber en & # 8220David Copperfield & # 8221, aunque el director George Cukor tuvo grandes dificultades para persuadir a Fields de que los malabarismos no podían incluirse en el guión. Aun así, este gran actor dejó la huella única de su personalidad en la película.

A principios del siglo XX, Bayside, con su posición privilegiada cerca del centro neurálgico de la ciudad de Nueva York y situado en un lugar de moda en Little Neck Bay, atrajo a un grupo de estrellas y ejecutivos adinerados de la industria cinematográfica en expansión. Mucho antes de Malibú, este pueblo se convirtió literalmente en una colonia de películas. Entre los nuevos ricos estaba Fields, que vivía a la vuelta de la esquina de Joseph Schenk, el productor de cine, y su esposa, la actriz de cine Norma Talmadge. La casa Fields & # 8217 sigue en pie, pero ya no baja a la playa como antes, porque la propiedad se separó de la costa cuando se construyó Cross Island Parkway.


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